Una conferencia sumamente interesante que nos acerca a la vida y obra de los escritores identificados como parte de la "escuela de la decadencia" japonesa, pero que también da luz sobre la conformación de este tipo de corrientes literarias a partir de las definiciones y denominaciones de la crítica.
Tal como explica Mat Chiappe, la conformación del término 無頼派 Burai-ha correspondió más a una decisión de críticos y editores que a los propios autores identificados con esta escuela (o corriente) literaria. Escribo "escuela" porque varios de los escritores japoneses de este grupo formaron académica y estilísticamente a otros más contemporáneos (el caso de Kobo Abe que fue pupilo de Ishikawa Jun).
El tema del "cuerpo carnal" (nikutai 肉体) es central en la conformación, primero, del estilo ero-guro-nansensu (simbolizado por la obra de Edogawa Ranpo), y después, del estilo ero-gekiga (antecedente directo del hentai contemporáneo).
Tal como documenta Yonezawa Yoshihiro en su libro Sengō ero manga-shi (戦後エロマンガ史 lit. "Historia de los ero-manga de posguerra"), las kasutori zasshi dieron espacio a los primeros trabajos de ero-gekiga, estableciendo un mercado moderno para el consumo de narrativas sexuales (muy diferente al que existía alrededor del shungaen el periodo Edo).
Allá vienen
los descabezados,
los mancos,
los descuartizados,
a las que les partieron el coxis,
a los que les aplastaron la cabeza,
los pequeñitos llorando
entre paredes oscuras
de minerales y arena.
Allá vienen
los que duermen en edificios
de tumbas clandestinas:
vienen con los ojos vendados,
atadas las manos,
baleados entre las sienes.
Allí vienen los que se perdieron por Tamaulipas,
cuñados, yernos, vecinos,
la mujer que violaron entre todos antes de matarla,
el hombre que intentó evitarlo y recibió un balazo,
la que también violaron, escapó y lo contó viene
caminando por Broadway,
se consuela con el llanto de las ambulancias,
las puertas de los hospitales,
la luz brillando en el agua del Hudson.
Allá vienen
los muertos que salieron de Usulután,
de La Paz,
de La Unión,
de La libertad,
de Sonsonate,
de San Salvador,
de San Juan Mixtepec,
de Cuscatlán,
de El Progreso,
de El Guante,
llorando,
a los que despidieron en una fiesta con karaoke,
y los encontraron baleados en Tecate.
Allí viene al que obligaron a cavar la fosa para su hermano,
al que asesinaron luego de cobrar cuatro mil dólares,
los que estuvieron secuestrados
con una mujer que violaron frente a su hijo de ocho años
tres veces.
¿De dónde vienen,
de qué gangrena,
oh linfa,
los sanguinarios,
los desalmados,
los carniceros
asesinos?
Allá vienen
los muertos tan solitos, tan mudos, tan nuestros,
engarzados bajo el cielo enorme del Anáhuac,
caminan,
se arrastran,
con su cuenco de horror entre las manos,
su espeluznante ternura.
Se llaman
los muertos que encontraron en una fosa en Taxco,
los muertos que encontraron en parajes alejados de Chihuahua,
los muertos que encontraron esparcidos en parcelas de cultivo,
los muertos que encontraron tirados en la Marquesa,
los muertos que encontraron colgando de los puentes,
los muertos que encontraron sin cabeza en terrenos ejidales,
los muertos que encontraron a la orilla de la carretera,
los muertos que encontraron en coches abandonados,
los muertos que encontraron en San Fernando,
los sin número que destazaron y aún no encuentran,
las piernas, los brazos, las cabezas, los fémures de muertos
disueltos en tambos.
Se llaman
restos, cadáveres, occisos,
se llaman
los muertos a los que madres no se cansan de esperar
los muertos a los que hijos no se cansan de esperar,
los muertos a los que esposas no se cansan de esperar,
imaginan entre subways y gringos.
Se llaman
chambrita tejida en el cajón del alma,
camisetita de tres meses,
la foto de la sonrisa chimuela,
se llaman mamita,
papito,
se llaman
pataditas
en el vientre
y el primer llanto,
se llaman cuatro hijos,
Petronia (2), Zacarías (3), Sabas (5), Glenda (6)
y una viuda (muchacha) que se enamoró cuando estudiaba la primaria,
se llaman ganas de bailar en las fiestas,
se llaman rubor de mejillas encendidas y manos sudorosas,
se llaman muchachos,
se llaman ganas
de construir una casa,
echar tabique,
darle de comer a mis hijos,
se llaman dos dólares por limpiar frijoles,
casas, haciendas, oficinas,
se llaman
llantos de niños en pisos de tierra,
la luz volando sobre los pájaros,
el vuelo de las palomas en la iglesia,
se llaman
besos a la orilla del río,
se llaman
Gelder (17)
Daniel (22)
Filmar (24)
Ismael (15)
Agustín (20)
José (16)
Jacinta (21)
Inés (28)
Francisco (53)
entre matorrales,
amordazados,
en jardines de ranchos
maniatados,
en jardines de casas de seguridad
desvanecidos,
en parajes olvidados,
desintegrándose muda,
calladamente,
se llaman
secretos de sicarios,
secretos de matanzas,
secretos de policías,
se llaman llanto,
se llaman neblina,
se llaman cuerpo,
se llaman piel,
se llaman tibieza,
se llaman beso,
se llaman abrazo,
se llaman risa,
se llaman personas,
se llaman súplicas,
se llamaban yo,
se llamaban tú,
se llamaban nosotros,
se llaman vergüenza,
se llaman llanto.
Allá van
María,
Juana,
Petra,
Carolina,
13,
18,
25,
16,
los pechos mordidos,
las manos atadas,
calcinados sus cuerpos,
sus huesos pulidos por la arena del desierto.
Se llaman
las muertas que nadie sabe nadie vio que mataran,
se llaman
las mujeres que salen de noche solas a los bares,
se llaman
mujeres que trabajan salen de sus casas en la madrugada,
se llaman
hermanas,
hijas,
madres,
tías,
desaparecidas,
violadas,
calcinadas,
aventadas,
se llaman carne,
se llaman carne.
Allá
sin flores,
sin losas,
sin edad,
sin nombre,
sin llanto,
duermen en su cementerio:
se llama Temixco,
se llama Santa Ana,
se llama Mazatepec,
se llama Juárez,
se llama Puente de Ixtla,
se llama San Fernando,
se llama Tlaltizapán,
se llama Samalayuca,
se llama el Capulín,
se llama Reynosa,
se llama Nuevo Laredo,
se llama Guadalupe,
se llama Lomas de Poleo,
se llama México.
Un documental que crea un viaje visual y psicológico por los estados que experimenta toda sociedad (incluyendo a la pareja): desde su génesis y desarrollo (pasando por sus crisis), hasta el melancolismo: ese sentimiento compartido de nostálgia y desarraigo que define identidades (tanto individuales como colectivas), y que es motor, de lo opuesto: la creatividad.
Pablo Fernández Christlieb (Ciudad de México, 1954) es Doctor en Ciencias Sociales por el Colegio de Michoacán (México), y Doctor en Psicología Social por la École des Hautes Etudes en Sciences Sociales (París). Es Profesor Titular “C”, Tiempo completo definitivo, en el Departamento de Psicología Social de la Facultad de Psicología Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Y, por alguna razón, no forma parte del claustro de profesores de los Posgrados en Psicología que ofrece la UNAM.
A Fernández Christlieb tuve el agrado de conocerlo personalmente, una tarde de 2009, cuando en busca de referentes teóricos para culminar la redacción de mi Tesis de Maestría de El Colegio de México, me apropié de su concepto "necesidad afectiva". Tiempo después, me enamoré de su Filosofía de las canciones que salen en la radio (2011), el cuál aún no logro conseguir en físico. Lector activo de su blog Psicología Pop, justo ahora, después de haber visto este documental, entiendo por qué, tal como él mismo me lo confesó en nuestra entrevista, Fernández Christlieb imparte los mismos contenidos teóricos en las asignaturas "Psicología social" y "Psicología de lo colectivo" (siendo que, supuestamente, deberían ser diferentes).
Junto con Jesús Martín-Barbero, Fernández Christlieb forma parte de mis psicólogos sociales favoritos. Los invito a leerlo. Porque no sólo de psicoanálisis vive el hombre.
Desde que revisé el programa de actividades de la FILEM 2018, encontré con sorpresa el nombre de la escritora mexicana Ana Clavel, autora de la novela Las violetas son flores del deseo (2007) y del libro de ensayos Territorio Lolita (2017), ambos documentos que abordan diversas facetas de la sexualidad y el erotismo alrededor de la figura de la mujer preadolescente.
En su presentación, la autora abordó la génesis de la figura de Lolita, personaje central de la novela homónima de Vladimir Vladimirovich Nabokov, arrojando luz sobre ella desde una nueva perspectiva: "El deseo no surge porque el otro lo provoca". Lolita es un personaje con un deseo propio.
Untitled (c. 1972). Balthus.
De Lolita a Balthus, Ana Clavel recorre el mundo de la representación del erotismo infantil en el arte. Pero, también, el crecimiento de una ola neopuritana que pretende desexualizar a los menores, bajo el pretexto del combate a la violencia sexual infantil.
Etude pour 'Le Lever' (1974). Balthus.
"Al victimizarla, se está negando el deseo de Lolita." "Decir que Lolita no tiene deseo, es incurrir en otra gran mentira." "En la novela, Lolita no es ninguna tonta. Se define como una chica adolescente que está aprendiendo a lidear con la figura masculina."
Lolita (1997). Dir. Adrian Lyne.
Cuando le pregunté a la autora si su condición de género le había ayudado para escribir y publicar sobre estos temas, ella me dijo:
No, para nada. Incluso algunas académicas me acusan, injustificadamente, de liderar un cártel de pederastas.
Yo, que también recibí señalamientos parecidos cuando estudiaba mi Maestría en El Colegio de México A.C., la comprendí. Y dejando a un lado mi crítica hacia su estilo o a sus fuentes, decidí solidarizarme: adquiriendo con gusto su libro, pidiéndole una dedicatoria y hasta tomándome una fotografía:
Arropados en todo momento por Juan Luis Nute, mi esposa Migdon Mancilla y yo presentamos, el día de hoy, nuestro Amor Koi Love en el Foro "Alejandro Ariceaga" del Centro Toluqueño de Escritores.
Mientras Nute nos regaló algunas palabras respecto al libro, mi amigo Isidro Pontón realizó comentarios sobre las ilustraciones:
"Christian mira hacia el mar que le dice 'muévete, no te quedes quieto' [deja de pensar en/ deja de sufrir por/ tu exnovia Motoko], y por eso, decide regresar de Japón."
Frente a la lectura tan aguda de mi amigo, me vi forzado a explicar algunos detalles autobiográficos detrás de las imágenes: ¿por qué tuve que regresar de Japón?, ¿por qué decidí no quedarme en aquel país a vivir?, etcétera.
[Todas ellas anécdotas de mis novelas.]
Luego, vino el apapacho de amigos, colegas y familiares. Y la firma (y dedicatoria) de libros, por supuesto:
Muchas gracias al Centro Toluqueño de Escritores por albergarnos.
La exposición "Historieta, Manga y cultura popular: México y Japón a través de la cultura popular contemporánea" a.k.a. "Manga y Monos: diálogo de culturas" es un proyecto del Dr. Álvaro Hernández (investigador en el International Research Center for Japanese Studies-Nichibunken) bajo la supervisión del guionista de manga, antropólogo, crítico e investigador Eiji Otsuka (profesor-investigador del International Research Center for Japanese Studies [Nichibunken]).
En la expo, se muestran viñetas representativas de la historieta japonesa para niños, para adolescentes mujeres, para adolescentes varones, así como algunas muestras del trabajo como guionista del Prof. Otsuka (en especial, 『多重人格探偵サイコ』 Tajuujinkaku Tantei Psycho, publicada por Glenat, en el año 2006, en España).
La exposición, si bien intenta llevar los diferentes discursos y estilos de manga al público general, carece de un estudio crítico que acerque al lector a las diferencias significativas de cada género. Por ejemplo, se coloca a 『キューティーハニー』 Cutie Honey dentro del manga de "heroínas", pero nunca se le explica al lector por qué, en el discurso visual del manga, Cutie Honey se desnuda:
También, se presenta a 『ハレンチ学園』 Harenchi Gakuen ("La escuela indecente", 1972) dentro del género kodomo ("para niños"), pero no se le explica al lector toda la polémica que causó la publicación de esta historieta (sobre todo entre los padres de familia) en la revista para niños 『少年ジャンプ』 Shōnen Jump, lo cual llevó a que dicha historieta fuera considerada (por el infame 教育委員会 kyouiku-iinkai) como 有害図書 yuugai-tosho ("libro perjudicial").
Tal como explico en mi Tesis de Maestría de El Colegio de México, A.C., Harenchi Gakuen comenzó a ser una historieta problemática porque incorporó en el mundo de la historieta para niños (shōnen manga) los temas y la estética de los 少女ヌード写真集 Shōjo nūdo shashinshū ("libros compilatorios de fotografías con desnudos de niñas").
El uso y abuso del desnudo femenino en la obra de Nagai Gō es un tema para una investigación de Tesis completa. Queda en las manos de las nuevas generaciones continuar analizando los discursos (sexuales) de la historieta japonesa.
Hace algunos días, el Colectivo Sacatrapos (conformado por los moneros Alarcón, Kabeza, Magú, Rictus, Sirako y Tacho) intervino algunos pedazos de escombro frente a las oficinas de la Delegación Benito Juárez (gobernada por el PAN) en señal de protesta por la corrupción e impunidad que, al día de hoy, existe entre las inmobiliarias involucradas en los derrumbes ocurridos en el pasado sismo del 19 de septiembre.
Tal como afirman los moneros, los dueños de las inmobiliarias que construyeron los edificios que se vinieron abajo con el sismo deben de ser castigadas por el delito de homicidio culposo, además de ser investigadas por la presunta corrupción detrás de la obtención de permisos y dictámenes técnicos necesarios para sus desarrollos.
¿Hasta cuándo seguirá protegiendo a estos asesinos el Jefe de Gobierno de la CDMX, Miguel Ángel Mancera?
Cuando escribí «Bullying a Murakami», una de mis principales quejas en contra del escritor japonés fue que no aborda en sus textos las calamidades que sufrió la población civil en la Guerra del Pacífico, ni realiza una crítica en contra del Imperialismo japonés (y sus aliados), y menos aún, señala las consecuencias que trajo para el Japón seguir dicha ideología.
Para aquellos que hemos estudiado la Historia japonesa, y hemos visto asombrados el nacimiento del «Cool Japan», nos llena de indignación que uno de los escritores japoneses al que se le han destinado más recursos humanos, técnicos y financieros por parte del gobierno japonés no le interese escribir sobre la historia bélica de su país, creando con ello, una literatura ahistórica, una literatura light.
Sin embargo, en la contemporaneidad, las historias que valen la pena no sólo vienen en forma de libro. Nuestra generación ha podido conocer historias conmovedoras a través de las películas de animación japonesa, por ejemplo. Historias que no siempre han sido ficticias, sino que han mostrado al mundo acontecimientos que ocurrieron en la realidad social e histórica del Japón.
Algunas de estas películas son La tumba de las luciérnagas (1988; en japonés, Hotaru no haka), la historia de dos huérfanos de la ciudad de Kobe y su lucha por sobrevivir a la Guerra del Pacífico; El viento se levanta (2013; en japonés, Kaze tachinu), la historia semi-biográfica de Jirō Horikoshi, ingeniero aeronáutico que diseñó el Mitsubishi A6M Zero, uno de los aviones de caza que atacó Pearl Harbor en 1941; o la más reciente, En este rincón del mundo (2016; en japonés, Kono sekai no katasumi ni), ganadora del Premio de la Academia Japonesa a la Mejor Película de Animación, otorgado en 2017, y selección oficial del Ministerio de Educación, Cultura, Deportes, Ciencia y Tecnología del gobierno japonés (MEXT).
En En este rincón del mundo, adaptación fílmica del manga de mismo nombre dibujado por Fumiyo Kōno, se aborda de manera realista el sufrimiento de la población civil de Kure, una localidad semi-agrícola al sur de la ciudad de Hiroshima, en tiempos de la Guerra del Pacífico (1941-1945). Del racionamiento de alimentos, a la hambruna. De la amenaza de ataques del ejército enemigo, a la construcción de refugios antibombas. Del temor a la muerte, a la pérdida de los seres más queridos. De la esperanza de una victoria militar, a la derrota.
Suzu Urano, la protagonista de esta historia, estalla en lágrimas al enterarse, por la radio, de que el Imperio japonés se ha rendido ante el ejército extranjero.
"¡Todo esto para qué! ¡No, no es posible! ¡No podemos rendirnos ante la violencia! ¡No podemos rendirnos ante la violencia! ¡Yo soy quien debería estar muerta!"
La pérdida de Suzu es demasiada: no sólo ha perdido a su familia y a sus amigos, sino, también, ha perdido las ganas de vivir. Sufre, al ser la sobreviviente de una guerra absurda. Pero, también, sufre porque, ahora, su imaginación y su optimismo no le alcanzan para mantenerse con vida, para enfrentar la realidad de la posguerra, para no dejarse morir.
Este sufrimiento no es un sufrimiento cualquiera. Es un sufrimiento japonés. Un sufrimiento que aparece, ante los ojos del espectador, con dramatismo; contrapunteado siempre por el optimismo que, en los peores momentos, ponen de manifiesto Suzu y los demás personajes que la rodean.
Después de un ataque aéreo con bombas incendiarias, una de sus vecinas le dice a Suzu, acercándole una porción de alimento: «Adelante, toma una. Mi casa está quemada, pero las papas se cocieron bien.» Un optimismo casi histérico.
El drama de En este rincón del mundo no radica en la muerte de un niño o una niña, como en La tumba de las luciérnagas, sino en el continuar de la vida de hombres, mujeres y niños tras la guerra. Es ese esfuerzo por mantenerse en pie, esta especie de solidaridad comunitaria, lo que apabulla.
A diferencia de Gen, el descalzo (1983; en japonés, Hadashi no Gen), el bombardeo atómico de Hiroshima, así como sus consecuencias, no son los temas centrales de En este rincón del mundo. Por el contrario, la película nos muestra que no es necesario haber sido víctima de una bomba atómica para sufrir por la guerra.
Este punto es sumamente importante porque, en el «imaginario occidental» (es decir, estadounidense y europeo), los civiles japoneses se convirtieron en víctimas de la Guerra del Pacífico debido a los bombardeos atómicos de Hiroshima y Nagasaki. Omitiendo el hecho de que las fuerzas aliadas, a lo largo de la Guerra del Pacífico, arrasaron con otras ciudades japonesas como Osaka, Kobe, Nagoya, Yokohama y Tokio; lo cual dio como resultado casi un millón de víctimas civiles.
En palabras de su Director, Sunao Katabuchi, En este rincón del mundo cumple con una función primordial: mostrar a las nuevas generaciones el sufrimiento que vivieron los japoneses en la Guerra del Pacífico.
Para finalizar, cabe aclarar que el financiamiento de la producción de la película corrió a cargo de una campaña de crowfunding en la que se obtuvo la cantidad de 39 millones de yenes gracias a 3,374 contribuyentes que aportaron a esta campaña en Internet. Además, otros 10 millones de yenes se lograron reunir, en noviembre de 2016, para promover la película en el extranjero.
Este es el tipo de productos culturales que se necesitan en el siglo XXI, y no los productos ahistóricos con los que las corporaciones lucran, no sólo en Japón, sino en el resto del mundo.
(Las ilustraciones que acompañan a este texto provienen del manga dibujado por Fumiyo Kōno.)
[Publicado, también, en la revista Los Cínicos.]
En dicho evento, además de la muestra de trabajos originales realizados por Azuma Hideo, a lo largo de la década de 1980, el dibujante japonés ofreció una firma de autógrafos y una conferencia. Lamentablemente, la expo duró apenas treinta días, y no tuvo réplica en el extranjero.
Después, en noviembre de 2013, se celebró la exhibición 「吾妻ひでお原画展」 "Azuma Hideo Gengaten", en el anexo de la tienda departamental Seibu Ikebukuro, en Tokyo. En dicha muestra, además de la venta de libros de ilustraciones de Azuma Hideo, también hubo firma de autógrafos. Y tal fue la respuesta de los asistentes, que dicha exposición culminó hasta marzo de 2014.
Ahora, en enero de 2017, la exhibición titulada 「内山亜紀原画展」 "Uchiyama Aki Gengaten", celebrada en la カップ麺ギャラリー Cup-men Gallery, en Tokyo, rinde homenaje a otro de los pioneros del estilo rorikon.
En dicha expo, inaugurada apenas el 20 de enero pasado, pueden apreciarse las ilustraciones originales elaboradas por Uchiyama Aki para las portadas y las solapas de rorikon manga de su autoría como 『あんどろトリオ』 Andoro Trio, 『ロリコンABC』 Rorikon ABC o 『ロリコン・ラブ』 Rorikon Love.
Después de esto, recuerdo las ominosas palabras del Dr. Amaury García, profesor de la Maestría en Estudios de Asia y África de El Colegio de México A.C., que me argüía: "cómo puedes llamarle y darle el tratamiendo de 'arte' a este tipo de producciones que, a todas luces, tienen un fin y un propósito muy distinto al de otras producciones visuales de Japón". Ahora, queda demostrado que no sólo yo, sino los propios japoneses son quienes le dan dicho tratamiento.
In Search of Moebius (2007) es un documental producido por la BBC en la que se aborda la obra del dibujante francés Jean Giraud, introduciendo magistralmente los comentarios de otros artistas como Stan Lee, Jim Lee, Mike Mignola, H. R. Giger o Alejandro Jodorowsky.
Pese a ser francés, Moebius tuvo una larga y fructuosa carrera profesional en los Estados Unidos de América. Trabajó para Ridley Scott (en Alien), para la corporación Disney (en Tron) y para Luc Besson (en El quinto elemento). Dentro de la industria del comic book, colaboró con Stan Lee en la saga de Silver Surfer entre 1988 y 1989.
Antes de esto, Moebius había trabajado con Alejandro Jodorowsky en su saga El Incal (1981-1989), obra que dio origen al universo jodorowskiano, el cual, con la migración de Moebius a Los Angeles, California, se vio privado de los lápices del creador francés.
De esta manera, el sistema corporativo estadounidense le quitó a Jodorowsky no sólo la oportunidad de filmar Dune sino, también, la oportunidad de seguir trabajando con Moebius.
Al ser uno de los pocos artistas que no participó en la industria de los comic books estadounidenses, los entrevistadores del documental le preguntan a Alejandro Jodorowsky su opinión sobre los super-héroes de Marvel o DC. La respuesta del Maestro es genial (y contundente):
Google Cultural Institute es una plataforma virtual, lanzada en el año 2011, que trata de compartir, a nivel global, las obras de arte más representativas de los diversos museos de Europa, Estados Unidos, América Latina y Asia.
La semana pasada, compartí en mi FaceBook, algunas imágenes de las obras que alberga, en el Google Cultural Institute, el Adachi Museum of Art, ubicado en la Prefectura de Shimane, Japón.
Más que ser imágenes de las obras artísticas en su conjunto, son detalles de las mismas. Detalles que, precisamente, por su sutileza técnica y temática me han fascinado. Gracias a Google por poner el arte japonés al alcance de nuestros ojos.
Heli, del mexicano Amat Escalante (Guanajuato, 1979), tuvo apenas su estreno este viernes, luego de que en mayo el realizador fue premiado como Mejor Director en la reciente edición del más renombrado festival de cine en el mundo, el de Cannes, Francia.
Las dos primeras obras de Amat, Sangre (2005) y Los bastardos (2008), fueron estrenadas en la sección Un Certain Regard. Con la inclusión de Heli en la Selección Oficial, Escalante no sólo se convierte en un autor cuya filmografía completa, hasta el momento, ha sido mostrada en Cannes, sino que también comparte el premio con su amigo, colega y discípulo Carlos Reygadas, quien fue galardonado en la misma categoría el año pasado con su último largometraje, Post Tenebras Lux (2012).
Después de ser rechazado de la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV) en San Antonio de los Baños, Cuba, y hartarse de las varias escuelas de cine a las que se acercó en México, Escalante logra su primer cortometraje después de cinco años de trabajo, Amarrados (2002), lo cual constituyó su verdadera escuela de cine; fue rechazado en el Festival de Guanajuato pero aceptado en el de Rotterdam.
La veracidad y construcción dramática con la que el autor realiza sus obras y en especial esta última, ha conllevado un crecimiento gracias a la formación cinematográfica desde los años infantiles hasta la formación cinéfila en el ámbito universitario de Guanajuato por cuenta propia, a cuyo cineclub con un acervo de excepción tenía acceso sin límites.
El realizador, distinguido por contar en sus cintas la realidad que azota a la sociedad mexicana, esta vez recrea un escenario de la inagotable y fallida guerra contra el narcotráfico desde las entrañas de la corrupción, el sometimiento militar, el daño colateral y la violencia en todo su contexto. Hay personas que viven siendo culpables y personas que mueren siendo inocentes.
Sí bien la película se centra en una familia, esta puede ser el retrato de muchas de las familias mexicanas que viven al día con la delincuencia organizada y la ineficiencia por parte de las autoridades, y que desafortunadamente se ha ido extendiendo en casi todas las regiones del país, dejando un saldo aterrador de más de 80 mil muertos, según estimaciones oficiales, en el último sexenio del expresidente Felipe Calderón.
Cabe destacar que la obra pretende crear conciencia y acercar al público a una realidad que en muchos de sus casos es censurada u omitida por los diferentes medios de comunicación, sin que la cinta exagere nada de lo que ocurre en nuestro país, y aunque se trata de una película de ficción titila tan sólo una pequeña parte de la cruda realidad mexicana.
El filme se exhibirá con 30 copias en los diferentes complejos de la cadena Cinepolis del D.F. Área Metropolitana, Cuernavaca, Guadalajara, Guanajuato, León, Monterrey, Puebla, Querétaro, Toluca, y Xalapa. Consulte cartelera.
Tal como reporté en mi FaceBook, el día de hoy, me topé con El tesoro de la sombra, un libro de ilustraciones del artista francés François Boucq con textos de Alejandro Jodorowsky.
En los últimos días, actualizando viejos posts en este blog, me di cuenta que, pese a que tengo una amplia cultura visual (no solo por mis bastas lecturas de historieta japonesa sino, también, por mis lecturas de obras de artistas estadounidenses y europeos congregados en la revista Heavy Metal) he escrito poco sobre ello.
Así, debo confesar que la conjunción de arte visual, literatura y pscología que Alejandro Jodorowsky ha logrado alcanzar en varias de sus obras, desde Fábulas Pánicas (publicadas, originalmente, en el periódico Heraldo de México, entre 1967 y 1973) siempre me ha fascinado.
Para varios lectores sin formación en las ciencias humanas y en el psicoanálisis, Alejandro Jodorowsky aparece frente a ellos como "un charlatán". La realidad es que, más allá de tomar los principios del psicoanálisis y plasmarlos en sus obras, Jodorowsky ha creado todo un universo simbólico que llama a tomar consciencia del mundo interior que existe dentro de nosotros.
Sin duda, también, en los textos de Jodorowsky, se evidencia una fuerte influencia de la filosofía Zen, misma que aprendió y vivió al lado de su Maestro japonés Ejo Takata, quien le enseñó a liberarse de "lo intelectual" y profundizar en su espíritu, tal como el mismo Jodorowsky ha relatado.
La literatura siempre ha sido el principal vehículo de transmición de saber, no solo científico, sino también humano. A diferencia de lo que opinaban mis profesores de la Facultad de Humanidades, las historietas, más allá de constituirse como "sub-literatura", son literatura en toda la extensión de la palabra.
Toluca, una ciudad que tradicionalmente ha cultivado el pudor sexual dentro de sus instituciones educativas, presenta por primera vez, dentro de un espacio cultural universitario, una exposición fotográfica sobre el cuerpo humano desnudo. ^^
Esto es algo que hay que celebrar, porque este tipo de exposiciones permiten a las nuevas generaciones acercarse a la desnudez desde un punto de vista muy diferente al que permiten las revistas para adultos con pornografía, o las revistas que publican fotografías con semi-desnudos femeninos.
En esta exposición, el desnudo es algo que pertenece a todos, más allá de las modelos anoréxicas que se han aumentado el busto quirúrgicamente o los modelos masculinos que han forjado su cuerpo gracias a los esteroides. :P
La alegría que brinda la desnudez es el tema principal de esta exposición, tal como lo reporta El Universal Estado de México, es por ello, que resulta sumamente positivo el efecto que esta exposición crea en el expectador. ^^
La desnudez se convierte, no en sinónimo de seducción o de vergüenza, sino en sinónimo de alegría, libertad y placer. ^^
"Happy Nudities", del fotógrafo mexicano Jorch R. Orrantia, estará presente en el Museo Universitario "Leopoldo Flores" hasta el 9 de julio. ^^
